Entrevue avec Shary Boyle

À l’affiche du 1^er septembre 2022 au 15 janvier 2023, Devant le palais du Moi explore les dimensions performatives de l’identité, à une époque où les réseaux sociaux sont devenus le théâtre d’une mise en scène de soi. Fruit d’une recherche critique sur le colonialisme, la misogynie, le racisme et d’autres problèmes sociaux, les œuvres ici réunies inspirent également une réflexion sur la beauté, la nostalgie, la confiance en l’avenir et la faculté humaine d’empathie.

Repensant le musée comme un lieu de performance collective, l’artiste a collaboré étroitement avec un scénographe, un ingénieur en robotique, un concepteur de parcs d’attractions et une costumière pour inventer un décor ludique voué à l’humanité et à l’imagination. Braquant les feux des projecteurs sur ses personnages insolites et leur public désarçonné, elle exhorte les visiteurs à porter un regard critique sur la façon dont nous construisons notre propre persona et le monde qui nous entoure.

Parlons de la genèse de votre exposition, Devant le palais du Moi. Quelles sont les idées et les réflexions qui l’ont inspirée, et que signifie le titre?

Le titre est tiré de la chanson Europe is Lost de Kae Tempest, poète britannique :

Des ballades doucereuses et des selfies, des selfies, des selfies
Et me voici devant le palais du moi
Construire un soi et une psychose
Pendant qu’on meurt en masse
Non, personne n’a rien vu – ou presque
Les émojis me l’ont dit¹…

C’est une chanson sur la destruction progressive de la planète causée par le colonialisme et le capitalisme. Elle parle des stratagèmes que nous employons pour éviter d’en endosser la responsabilité et pour nous désensibiliser face aux vérités dérangeantes. C’est une critique dure, mais constructive de la culture populaire européenne actuelle. Tout au long de l’album, Tempest répète qu’il nous faut nous réveiller et aimer plus.

Dans ma pratique, la musique joue un rôle important : elle m’inspire, m’instruit et me nourrit. J’ai conçu cette exposition pour explorer l’espace qui se situe entre notre identité personnelle et notre identité publique. Je veux comprendre pourquoi l’identité est acquise et construite, et aussi comment elle entre en jeu dans le monde que nous habitons.

De quelles façons nos différentes identités se construisent-elles et se projettent-elles aujourd’hui? Comment abordez-vous ce sujet dans l’exposition?

Les médias sociaux nous incitent à mettre en scène nos expériences personnelles et à montrer à un auditoire désincarné une version revue et corrigée de nous-mêmes. Des événements d’envergure planétaire, qui influencent profondément notre avenir collectif, sont condensés dans des cycles de nouvelles sensationnalistes qui tournent tellement vite que nous n’avons pas le temps de les assimiler; elles sont aussitôt remplacées par la nouvelle suivante. La frontière entre l’intégrité personnelle et l’artifice politique est dangereusement floue. En même temps, des maîtres à penser jouent consciencieusement leur rôle sous les feux de la rampe… L’humanité aime les histoires et s’en nourrit. En travaillant sur cette exposition, j’ai utilisé la matérialité de la sculpture et du dessin pour mettre en récit mes sentiments et mes réflexions au sujet de problèmes mondiaux, comme les changements climatiques, et de problèmes plus locaux, comme l’identité de genre et l’identité culturelle, politique et raciale. Au centre de ces questions sociétales complexes se dresse la figure de l’artiste fabriquant et reflétant des images afin de se créer (ou de se connaître) en tant qu’individu.

L’exposition s’inspire aussi beaucoup des arts du spectacle. On y retrouve plusieurs références à la musique et au théâtre, comme le montrent bien la scène, les masques et même le programme que le public consulte pendant la visite. Vous comparez en outre votre monde intérieur à un théâtre… Qu’entendez-vous par là?

À une époque où la politique et l’environnement sont une source de peur et d’anxiété, et où les notions de culture et d’identité prennent pour nous un sens nouveau, nous pouvons toujours explorer les liens ancestraux qui nous unissent à la musique, au théâtre et aux contes pour nous rappeler notre humanité et en tirer des leçons. L’art ne sert pas à s’échapper. Au contraire, les masques, les costumes et le jeu contribuent à développer notre sens éthique et nous aident à formuler nos attentes envers la société. Nous inventons des personnages pour nous exercer à vivre. Dans notre quotidien comme à l’échelle planétaire, la métaphore théâtrale peut nous aider à affronter les drames liés à la préservation et à la présentation du soi.

Vous réalisez également des installations immersives. Je pense à White Light [Lumière blanche] (2010), une œuvre de la collection du Musée qu’on peut admirer dans les salles d’art contemporain, et à Music for Silence (2013), présentée à la Biennale de Venise 2013. Quelles sont les réflexions sur l’art qui sous-tendent le processus de création de vos environnements immersifs? Comment ces œuvres font-elles avancer vos idées sur la société et la vie en général?

Quand je prépare l’expérience qui pourra être vécue à travers une installation, je cherche à harmoniser la technique et l’échelle par les groupements de la composition. Je porte une attention particulière aux champs de vision et à la façon dont le papier et la porcelaine – des matériaux invitants et tactiles – interagiront avec le métal, les textiles et l’éclairage, entre autres. Je crée des petites surprises engageantes dans l’œuvre elle-même. Quand l’œuvre et la mise en scène vont de pair, ça pique la curiosité du public; ça l’incite à bouger dans l’espace pour le découvrir, à participer.

Mon travail d’artiste repose essentiellement sur une quête de la connaissance de soi. C’est une exploration de mon expérience de la vie sur Terre. En même temps, j’éprouve un grand besoin de communiquer et d’entrer en relation avec les gens. Le potentiel d’interaction sociale, c’est ce qui me donne envie de créer des installations immersives. Quand j’imagine une série de moments intimes, intenses, au cœur d’un espace, j’invite l’Autre que je ne connais pas, avec sa perspective unique, à me rejoindre dans la contemplation des expériences que nous partageons, et qui pourtant sont différentes.