Le legs inestimable des femmes designers

À la fin du XIX^e et au début du XX^e siècle, les hommes prenaient part à tous les aspects de la vie publique, tandis que les femmes étaient confinées dans l’univers clos de la vie domestique. Les pratiques du design, forcément, étaient gouvernées par des principes de division sexuelle similaires. Malgré cela, un certain nombre de femmes talentueuses se sont taillé une place dans le milieu professionnel, où elles sont devenues des designers et des entrepreneuses accomplies. Candace Wheeler, figure de proue du mouvement Arts and Crafts et l’une des premières femmes à avoir travaillé dans le domaine de la décoration intérieure, a conçu des textiles et a soutenu la formation de ses consœurs à diverses techniques artisanales. Également avant-gardiste, Clara Driscoll a été à la tête du service de la taille du verre des Tiffany Studios dès 1892. Elle a conçu un nombre important de mosaïques et d’objets de bureau Tiffany, dont plus de 30 abat-jour parmi les plus appréciés de la maison, notamment celui de la célèbre lampe de table Peacock.

Durant les années suivantes, les femmes ont été de plus en plus nombreuses à poursuivre une carrière dans les domaines de la décoration intérieure, du textile et de la mode. À la fin de la Première Guerre mondiale, Elsie de Wolfe s’était déjà taillé une réputation de « mère de la décoration intérieure moderne ». Au Canada, Minerva Elliot a lancé une entreprise de décoration en 1925 et s’est rapidement fait connaître pour son intervention dans les quartiers chics de Toronto. Si l’on sait peu de choses des réalisations professionnelles de la décoratrice d’intérieur montréalaise Jeannette Meunier Biéler, le bureau en verre et en métal tubulaire qu’elle a conçu pour sa maison familiale reflète son appropriation originale des tendances modernistes européennes de l’époque.

La croissance soutenue de la consommation pendant l’après-guerre a contribué au développement d’un marché de produits domestiques. Au début des années 1950, même si les femmes restaient peu nombreuses dans cet univers majoritairement masculin, plusieurs de leurs créations sont devenues célèbres grâce au programme Good Design du MoMA – une série d’expositions et de prix consacrés à l’ameublement et aux objets du quotidien. Au fil des cinq années du programme, des meubles de Florence Knoll, de Ray Eames et de Greta Magnusson-Grossman, des céramiques d’Eva Zeisel, des luminaires de Greta von Nessen, des objets en verre de Freda Diamond et des textiles de Dorothy Liebes, de Noémi Raymond et d’Eszter Haraszty ont été exposés aux côtés d’œuvres conçues par des hommes.

Pourtant, des inégalités criantes persistaient, en particulier dans le cas des couples de designers, tels que Charles et Ray Eames. Quand le couple a été invité à présenter ses réalisations au MoMA en 1946, l’événement a été annoncé comme un « one-man show » intitulé New Furniture Designed by Charles Eames.

Portées par l’engouement du postmodernisme pour l’art décoratif, des créatrices d’une multitude de domaines ont utilisé le motif, la décoration et la surface peinte dans une stratégie féministe. En céramique, l’approche picturale de Betty Woodman, la porcelaine riche en motifs de Dorothy Hafner et les décors géométriques de Roseline Delisle ont réaffirmé la valeur de traditions historiquement associées aux femmes. De même, les meubles conçus et fabriqués par Wendy Maruyama, l’une des premières femmes à s’inscrire à un programme de fabrication de meubles dans le cadre d’une maîtrise en beaux-arts aux États-Unis, mariaient idéologies féministes et artisanat traditionnel, ouvrant la voie à la peinture et aux décors appliqués sur du bois naturel.

Le couple d’architectes et de designers Denise Scott Brown et Robert Venturi est reconnu pour avoir réintroduit le décor dans le mobilier industriel contemporain. Leur emblématique chaise Queen Anne à motif « nappe de grand-mère » présente la silhouette aplatie en contreplaqué plié d’une chaise traditionnelle du XIX^e siècle, recouverte d’un motif floral coloré emprunté à une nappe produite en série. Bien que la conception de cette chaise soit le fruit de leur collaboration, le mérite en a été attribué à Venturi uniquement. Malgré les progrès réalisés par les femmes au cours de cette période, la juste reconnaissance de leur rôle au sein d’une équipe de conception n’était toujours pas acquise².

On ne peut pas toujours corriger les inégalités du passé, mais on peut trouver de nouvelles façons d’honorer l’apport des femmes au monde du design. En proposant une autre lecture où les femmes sont au premier plan, l’exposition Parall(elles) met en lumière ce legs inestimable dans l’espoir qu’il soit considéré comme une partie intégrante et essentielle de l’histoire du design.

¹ Phil Patton, « Fancy Free », Corvette Quarterly, novembre 2008.
² Denise Scott Brown a raconté avec humour et sincérité les nombreux affronts qu’elle a subis tout au long de sa carrière dans « Room at the Top? Sexism and the Star System in Architecture », Ellen Perry Berkeley et Matilda McQuaid (dir.), Architecture: A Place for Women, Washington (D. C.), Smithsonian Institution Press, 1989. Cet article influent, basé sur une conférence donnée en 1974, a favorisé l’émergence de nouveaux discours sur la marginalisation des femmes dans les professions du design.